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    Review Mirai Nikki

    Si en el mundo del anime, a medida que vamos conociendo más y más historias que nos parecen interesantes, hay animes que cuando nos hacen caer en su realidad, puede que nuestra percepción cambié. Si bien, Mirai Nikki, un anime de 26 episodios producido por el estudio de animación Asread el cual fue bastante popularizado desde su lanzamiento el 10 de Octubre del 2011 y publicado el manga en el año 2006 por su autor Sakae Asuno, su trama comienza por Yukiteru Amano, un estudiante de preparatoria solitario e introvertido, quien se describe así mismo como un “observador” pues este escribe un diario sobre todo lo que pasa a su alrededor en su celular. Yukiteru, señala tener amigos imaginarios en cual uno de ellos es Deus Ex Machina, quien es el Dios del Tiempo y Espacio.
     

    Ya cuando este Dios está llegando al final de su ciclo de vida, decide crear un juego de supervivencia durante el tiempo de 90 días, por lo tanto decide otorgar una habilidad especial de ver lo que sucederá en el futuro dentro del diario de Yukiteru mintiéndole que en realidad solo era el primer participante de un torneo a muerte, donde deberá de luchar por su vida así como también la protección de su diario contra otros poseedores de otros diarios similares, el cual el ganador tomará el puesto de Deus Ex Machina, pues en este juego entre vida y muerte conoce Yuno Gasai, una misteriosa chica que guarda secretos de importancia en la historia que va en la misma clase de Yukiteru Amano y quien desde ser su acosadora, toma un drástico papel volviéndose en su protectora y amante psicótica.

    Si bien de la icónica serie podemos ver ciertos destellos que le dan fuerza a la acción como al romanticismo, es decir dentro de estos géneros, desde un inicio percibirás la pregunta clave de todo el desarrollo de la historia: ¿Quién es Yuno Gasai?, ¿cuál es su origen?, en sí la historia guarda muchos misterios momentáneamente irresueltos con tonalidad de drama, pues esto en muchas ocasiones genera un giro espontáneo y destacado en el anime que sin duda alguna te permitirá buscar la forma de como unir o atar cabos sueltos.

    En la trama se puede verificar con claridad lo que es un uso perfecto del estilo battle death gore, sin duda en los tipos de batalla es un uso de sangre medible pero no excesivo, en algunos momentos como dicho anteriormente en el género romance es notorio en la mayoría de las veces pero de cierta forma de romanticismo puede pasar a manipulación y toxicidad desmedida puesto que la relación entre Yuno Gasai y Yukiteru Amano sucedió de manera obligada por todo lo que aconteció al momento del “antes de la historia” explicado ya al finalizar el anime.

    Si de cierta manera el argumento del anime se puede observar de excelente manera a como relatan la historia conllevando consigo al amplio elenco de personajes, comienzan a dar pequeñas pistas para resolver el misterio tomando el aspecto emocional como el de acción que harán que el desarrollo tome forma de esta grandiosa obra, por otra percepción, este anime tiende a disminuir su calidad tornándose un tanto “aburrido”, si bien en este anime hay ciertos personajes que hacen de los momentos de suspenso algo carismáticos, hay otros que ciertas ocasiones tienden a volverse incoherentes en momentos donde tienen que tomar una decisión o alguna acción importante, pues estos resultan accionando incorrectamente que consigo les causa este arrepentimiento del cual no les pasaría si hubiesen sido atentos desde un principio, un claro ejemplo es nuestro protagonista Amano Yukiteru, aunque en momentos toma una postura firme para tomar buenas decisiones y hacer acciones que le ayuden a llegar a su objetivo, cada vez que cae en un “punto muerto” (momento en el que se determina la muerte de uno de los dueños de algún diario) con personajes que se puedan demostrar intimidantes o le tiendan una trampa, este generalmente siempre está tratando de huir, llorando y/o gritando, por lo tanto, Yuno Gasai está salvándole todo el tiempo, es decir, al ver e ir conociendo el actuar del protagonista nos quedan dudas e interrogantes que nos hagan llegar a la conclusión de no entender bien la mentalidad del protagonista, como producto de esto, esta obra se nos hace bastante

    Las personalidades son muy características de los personajes de este anime, comenzando por los participantes del torneo a muerte, cada una está adaptada según la especialidad de su respectivo diario por lo tanto cabe destacar que esto complica a los protagonistas. Un caso bastante peculiar es la personalidad de Yuno, se denota como una persona dulce y agradable por fuera, aunque hostil y agresiva por dentro, llegando a puntos extremos a la mínima de sentir celos, es decir, una personalidad de tipo Yandere por lo contrario, la personalidad de Yukiteru si posee altos y bajos, se logra observar que durante toda la obra el autor intenta darle una forma concisa a su personalidad, pues esta florece en algunos momentos pero lamentablemente cuando este se encuentra en una encrucijada retrocede a como fue en un comienzo dando a entender que el esfuerzo del autor en crear una personalidad llamativa para Yukiteru Amano, es en vano.
     

     
    Por otro lado, están los personajes secundarios y terciarios, si de todas formas en sus momento pueden resultar siendo únicos o aburridos francamente no poseen mucha importancia aunque podemos hacer una excepción con el albino Aru Akise siendo la creación de este personaje demasiado ineludible, es decir, como simplemente no había forma de descubrir el origen de Yuno Gasai siendo esta la problemática central se requería forzosamente de un personaje con increíbles capacidades de deducción quien es en este caso Aru Akise.
    Hablando de sobrevaloraciones, en su tiempo este anime tuvo masivas sobrevaloraciones, pues es innegable que este anime es realmente bueno y que posee muchas llamativas aunque como todo, también posee sus puntos bajos como los nombrados con anterioridad, pues realmente un verdadero espectador que en realidad haya expandido sus horizontes conociendo nuevas historias, nuevas tramas dirá si este anime merece tal sobrevaloración.

    Su animación tiene calidad en cuanto a paleta de colores, estilo de dibujo y diseño de los personajes, aunque sin duda unos de sus puntos fuerte es su acústica en banda sonora, los soundtrack de entrada y salida enfatizan muy bien con la obra, así como también la letra de estas, tanto como openings como endings, el mensaje que quieren dar se ve muy ligado a lo que cuenta la historia en realidad.
    Finalizando en esta reseña, es importante señalar que este anime es muy recomendado debido a su temática de suspenso, y que viendo de un punto más centrado al mensaje que el creador nos quiso dar en cuanto al torneo a muerte del que se ve en la serie es aprovechar todo lo que te rodea sin forzar nada para que así todo siga su rumbo de manera óptima, puesto que si es de lo contrario nos podremos dar cuenta que no todo es como nos parecía ser.

    Cómo se hacían los juegos en la era de los 8 y 16 bits

    Antes de la era del internet, los conocimientos para desarrollar videojuegos estaban reservados para los ingenieros, desarrolladores gráficos y matemáticos. Hoy en día ese conocimiento está al alcance de todos, se han desarrollado herramientas graficas intuitivas y tutoriales para que alguien con un conocimiento no tan avanzado sobre sistemas pueda crear su propio juego. Pero… ¿Cómo lo hacían en la era de los 8 y 16 Bits?
     
    Entre Bits y Bytes
    Algunos representantes de la tercera generación (8-Bits) fueron el Nintendo NES y el Sega Master System y en la cuarta generación (16-Bits) fueron el Nintendo SNES y el Sega Genesis-Mega Drive. Se vendía la idea de los Bits, pocos sabían de que se trababa, pero entre más Bits mejores juegos, eso todos lo entendían.
    Hay una confusión entre Bits y Bytes, por lo que menciono concretamente las diferencias.
    - Un Bit (Velocidad de transmisión). Unidad mínima de información binaria, puede tener un valor de 0 (apagado) o de 1 (encendido). En otras palabras, el procesador haría algo de esto en el juego: píxel desplegado/sin pixel, avanza/no avanza, emite sonido/silencio, etc.
    - Un Byte (Capacidad de almacenamiento). Conjunto de 8 bits que pueden representar hasta 256 valores (números del 0 al 255). En otras palabras, el espacio que ocupa un carácter en un dispositivo digital. El espacio que ocupaban los juegos.
    Un procesador de 8-Bits admite como máximo 256 colores y una resolución de 256 pixeles por línea (la NES despliega 256 x 224 pixeles).
    El procesador de 16-Bits aumento el valor aumento a 65,536 colores, aunque el SNES solo admitía 32,768 colores y mantuvo en la mayoría de los juegos la resolución de 256 x 224 pixeles. Con estas limitaciones los programadores tenían que conocer perfectamente bien el funcionamiento de los procesadores y su conjunción con la memoria de audio y video destinados para cada consola.
     
    Concepción de la idea
    En la segunda generación (1976-1983) la duración del título se basaba en la destreza del jugador, los niveles se repetían infinitamente agregando más velocidad y enemigos.
    En esa época una sola persona podía hacer un juego, unos verdaderos genios. En ocasiones los directivos encargaban hacer un juego rápido para aprovechar las modas como E.T. The Extra-Terrestrial (1982) o adaptaciones de Arcade hacia Atari como Pac-man (1982) y nadie verificaba el concepto, no había planeación, solo programaban lo que les venía a la mente y entregaban a tiempo y los resultados no siempre eran los esperados. Esto llevo a la crisis de los videojuegos de 1983.

    Comparación de Pac-man de Arcade (1980) vs Pac-man de Atari (1982)
     
    Al llegar la tercera generación en 1983 apareció Super Mario Bros (1985) que puso en la mente del jugador que podíamos tener un final, así que las ideas evolucionaron.
    - Partidas rápidas. Títulos con pocos niveles e historia sencilla, podíamos terminarlos en un menos de una hora y no tenían opciones de guardar avances, como Circus Charlie (1984), Double Dragon (1987) o Contra (1987), regularmente adaptaciones de Arcade en donde todo era partidas rápidas.
    - Larga duración. Títulos con muchos niveles, secretos por descubrir y algunos con historia más elaborada, difícilmente podíamos acabarlos en menos de una hora y algunos contaban con passwords o baterías para continuar los partidas tiempo después, como Donkey Kong Country (1994), The Legend of Zelda (1986) o Ninja Gaiden (1988), regularmente eran títulos para consolas.
     
    El nacimiento de grandes ideas (Etapa de Concepto)
    La segunda generación quedaba atrás, ahora había equipos creativos, aunque pequeños todavía. Se realizaban bosquejos y guiones con lo que se tuviera a mano, debido a que los repositorios digitales no eran comunes como ahora, muchos creativos de esa época tienen sus diseños en hojas de papel y muchos se han perdido. Algunos se han conservado, como las primeras ideas de Shigeru Miyamoto.
    Se dibujaban los personajes, enemigos, escenarios, jefes, armas y elementos claves del juego. Si el juego era de larga duración se escribía un guion con la historia que se quería contar, los acertijos a resolver, interacciones y más.
    Al tener pocos pixeles que cubrir en pantalla, se dibujaban a detalle cada uno de los elementos en papel cuadriculado, si eran escenarios muy grandes y se quería conservar la idea completa en una sola vista, pegaban las hojas. Entonces imaginemos paredes llenas de escenarios y personajes cuadriculados.

    Bosquejo de Super Mario Bros (1985). Shigeru Miyamoto dibujo a lápiz en papel los personajes y paisajes que recorrería Super Mario.
     

    Diseños de niveles de Super Mario Bros (1985) en papel
     
    Por qué el tiempo es dinero (Etapa de Pre-Producción)
    Las empresas tienen planes a varios años de como irán produciendo juegos, así que como todo proyecto se realizaban planificaciones, se asignaba un presupuesto y se elegia una fecha de lanzamiento. Después se conseguía el equipo que realizaría el proyecto, que cabe señalar que no eran tan fácil de encontrar ya que el área de desarrollo de videojuegos era muy limitada, había pocos expertos y casi siempre estaban ocupados en otros proyectos.
    El diseñador del equipo creativo se encargaría de pasar los diseños de papel a pixeles, los programadores de realizar los diagramas de flujo y codificar, el ingeniero de sonido a realizar la música y efectos y algún otro equipo de diseño a realizar las portadas, que no siempre correspondían a lo que veíamos en el juego.
    En esta etapa se detallaba todos los elementos del juego para que la desarrolla el equipo creativo: Mecánicas, sonidos, música, voces, el lenguaje de programación a utilizar, diagramas de flujo y como interactuaría el usuario con el juego mediante el control
     
    Haciendo más con menos (Etapa de Producción)
    Una vez que las ideas estaban plasmadas en los “pixeles de papel” por llamarlos de alguna forma, se procedía a graficar. Aquí es donde comenzaba el verdadero reto para los programadores, ¿Cómo hacer que todas esas ideas entraran en un cartucho?
    Los cartuchos tenían una capacidad muy limitada, los primeros juegos de 8-Bits iban desde los 32KB de NES hasta los últimos juegos de Gameboy que llegaron a los 2MB. Entonces los programadores se las ingeniaban para ocupar el mínimo de memoria y reducían al máximo las instrucciones para hacer lo mas ligero posible el tamaño del ROM, por lo que al hacer adaptaciones de Arcade se perdían muchos elementos o eran sustituidos por graficas muy básicas.
    Al pasar a los 16-Bits se pudieron usar más colores, más canales de audio y el tamaño de los cartuchos fue de los 512KB en los primeros juegos de SNES hasta los 40MB de Sega con la adaptación de Street Fighter II. Sumado a la integración de chips adicionales en los cartuchos hicieron que los juegos pudieran realizar lo que la consola no podía hacer originalmente, como el Modo 7 usado en Super Mario Kart para rotaciones de pantalla y F-Zero o el Super Chip FX usando en Star Fox para manejo de polígonos.

    Equipo creativo de Sega en el desarrollo de Golden Axe (1989) e instalaciones típicas de un estudio de desarrollo en 1991
     
    Los juegos se desarrollaban en computadoras con kits de versiones modificadas de las consolas, se creaba el ROM y después se mandaban a producir los circuitos impresos y al final su carcasa de plástico con lo que tenía el producto final: Los cartuchos.
    No es un secreto que Nintendo tenía practicas monopolizadoras en esos años, era el que más cuota de mercado tenía y lo que comenzó como una buena idea, como que el una desarrolladora no podía lanzar más de cinco títulos al año y que debía tener el sello de calidad para no lanzar títulos malos como en la época de Atari, acabo en la creación de empresas subsidiarias para lanzar más juegos al año, como el caso de Konami que lanzo títulos como Metal Gear Solid o Teenage Mutant Ninja Turtles bajo el nombre de Ultra Games.

    Tarjetas impresas usadas en el interior de los cartuchos
     
    Las computadoras, las verdaderas consolas
    Los equipos de desarrollo no eran unas supercomputadoras, eran equipos con tecnología 80386 o 80486, de 16 y 32 Bits respectivamente, con mucho mas RAM y potencia suficiente para ejecutar cualquier juego de la época, pero que no se utilizaban masivamente para jugar.
    Los juegos de las generaciones anteriores se programaban mediante lenguaje ensamblador, C o Basic, pero mayormente C++. Para estas generaciones se dejó de utilizar Basic y se crearon las primeras librerías graficas y kits de desarrollo que se distribuían a los licenciatarios que quisieran desarrollar para las plataformas.
     
    Casi siempre se hacía bien y a la primera (Etapa de pruebas)
    Los equipos de pruebas eran pequeños o inexistentes, así que los programadores realizaban el testeo de los juegos que desarrollaban. No existía Internet, ni parches, ni DLC’s que corrigieran los errores que se pudieran presentar una vez lanzado el producto, así que los juegos debían probarse a conciencia para liberarlos con los menos problemas posibles.
    A pesar de que los juegos eran probados, no eran perfectos y con el tiempo se fueron descubriendo trucos a favor y en contra de la jugabilidad que hace interesantes los títulos de esa época. Hay guías muy completas de esos trucos que nos retan a hacerlos. Es una prueba de que la perfección no existe.

    En Super Mario Bros, si caes al vació para atrapar un hongo, puedes dar un segundo salto justo en el momento en que lo tomas
     
    Ilustraciones que no se parecían al producto final (Lanzamiento)
    El equipo de Marketing era sumamente engañoso, promovía los juegos con ilustraciones que en ocasiones no se parecían en nada al producto final o realizaban anuncios de TV en donde los juegos se veían muy bien y cuando los jugabas no eran lo que esperabas. Esto sigue sucediendo, pero en esa época si era claramente marcada esa diferencia.
    Se contrataban ilustradores a los que se les comentaba la idea del juego y dejaban volar su imaginación con portadas que para un niño era llamativa y cuando se probaba el juego se llevaba una decepción, como el juego de Rambo (1987).

    Comparación de portadas y gameplays. Final Fight (1989), The Combatribes (1992), Bomberman (1983) y Bad Dudes (1988)
     
    Al final teníamos productos de todo tipo, algunos de excelente calidad y que sirvieron de base para las nuevas generaciones de consolas, se crearon muchos géneros y masificaron la industria de los videojuegos en los arcades y las consolas.
     
    ¿Cuáles son tus juegos favoritos de esa época?
    Destacado

    Del videojuego al cine, ¿Hay necesidad de estropear la idea original?

    Quiero compartir con ustedes un tema que desde hace tiempo traía en mente: las películas basadas en videojuegos
    La idea no es hacer un listado de las mejores o peores adaptaciones, nombrare algunas, pero quiero enfocar el artículo en los factores que hacen que una adaptación sea buena, regular o mala.
     
    ¡Tiempo es dinero!
    Antes de los años 90’s hacer una película era un proceso menos caro y se podían implementar ideas de forma fácil y rápida. Imaginemos a un grupo de ejecutivos de una productora de filmes famosos, sentados en una gran sala de juntas, decidiendo cual será el próximo hit de la compañía, existe un portafolio con ideas de adaptar libros, series de TV, alguna caricatura famosa, personaje, hecho histórico o algún tema de moda, tomaban cualquiera de estas ideas, la implementaban y funcionaba relativamente bien.
    Llegaron los años 90’s y los ejecutivos se dieron cuenta que existía la industria de los videojuegos generaba mucho dinero y no querían quedarse fuera. Se debe crear un producto rentable, rápido e impactante, por lo que se decide hacer cambios a la premisa principal del juego adaptándolo a un tiempo razonable de desarrollo y salir a tiempo como próximo hit del verano antes de que el juego pierda su popularidad.
    Este corto tiempo provoca resultados demasiados alejados del juego original, sin pies ni cabeza, fallas argumentales y que nos da vergüenza decir que vimos en las salas, como Mario Bros [1993]  y Street Fighter, la última batalla [1994].
           
     
    Al correr de los años hemos tenido mejores producciones comparadas con las de los años 90s, las productoras han basado su apuesta en franquicias con peso en la industria, con algunas secuelas, muchas ventas o que se han mantenido en la cima durante unos años como Hitman [2007] o Sonic [2020].
         
     
     
    A esto nadie le entiende, ¿y si cambiamos la historia?
    Se les presenta el guion a los productores sobre la nueva película basada en el videojuego que tiene las mejores ventas, que es amado por millones de fans y que se sabe que será un trancazo en taquilla cuando salga, contratamos al mejor productor, asignamos millones de presupuesto para efectos especiales y creamos una gran mercadotecnia. Todos lo amaran, ¿Qué podría salir mal?
    Alguien que desconoce completamente de videojuegos por que los odio hasta el espinazo cuando era joven por que en los arcades le hacían bullying y que los sigue odiando, pero sabe que le dará dinero no entiende de que le hablan y decide tirar el guion a la basura y pedir que lo escriban otra vez, “necesitamos algo familiar señores”, “algo que pueda ver con mis hijos o con la abuela”, ¿Qué es eso de que un fontanero que come hongos que se hace grande?, ¿Cómo puede un chino karateka lanzar poderes con las manos?, ¿Un erizo azul con velocidad ultrasónica?.
    Los escritores cambian la historia para adaptarla a las exigencias de los ejecutivos, aunque se alejen abismalmente de la historia original en donde solo se mantienen algunos guiños como nombres de personajes pero puestos en ambientes diferentes, tramas absurdas y actores o efectos especiales que no tienen calidad, ¿pero quién más que los productores sabe que es lo que es bueno para el cine?, al final aceptan un guion malo, pero que es palomero, visualizan que recogerán el dinero con carretilla de tan buenos ingresos que se tendrán, se filma la película, se estrena y es un fracaso… ¡Les dije que era mala idea hacer una película basada en ese juego fantasioso, mejor hubiéramos hecho una nueva versión de rápidos y furiosos!.
    Las películas son aburridas y nos sentimos estafados al salir de la sala. Si por suerte se logró una taquilla aceptable (más por el engaño del poster promocional o esperanza de ver una buena adaptación, que por la calidad del producto) a los productores se les ocurre sacar una secuela, tienen la oportunidad de hacerlo bien esta vez, pero tropiezan con la misma piedra. Al final tenemos sagas como Resident Evil (Resident Evil [2002], Apocalipsis [2004], Extinción [2007], Ultratumba [2010], Venganza [2012], El capítulo final [2016]) o la primera saga de Tomb Raider (Tomb Raider [2001], Tomb Raider, la cuna de la vida [2003]), y se culpa a los fans, a la prensa o a quien sea, pero jamás se aceptara que el mal guion arruino todo.
              
     
    El ciclo sin fin
    Las productoras no viven del amor al arte, sacaron un producto malo, pero tuvieron suerte y les redituó, ¿por que no sacar uno más?, “los fans aceptan lo que sea y sabemos que si hay malas criticas es por que no saben apreciar nuestro arte”, ¿qué van a saber esa bola de nerds de arte si se la pasan sentados jugando sus FIFAs y Marios?
    Las productoras van saltando entre franquicias arruinando la mayoría de ellas, dejándonos malos sabores de boca, haciendo que las personas que no conocen de juegos ahora menos se atreverán a jugarlos por que creen que la película es como el juego y que es una perdida de tiempo, se hace un círculo vicioso difícil de romper.
    Aun así tenemos chispazos, productores que escuchan a sus fans como en el caso de Sonic en donde se pasó de un humanoide raro a una animación decente después de las quejas del público o como Detective Pikachu [2019], donde sabíamos de qué iba la película donde los Pokémon que se animaron fueron buenos. O Angry Birds [2016], que no tiene un argumento solido pero que fue recibida de buena forma al publico al que iba dirigido, ¿qué más trama podían sacar de un juego así?
         
    Tenemos otros casos antes de la masificación de las redes sociales, como Doom: La puerta del infierno [2005], una producción ambiciosa que ya pensaba en la secuela antes de estrenarse, acabó siendo una mala película de acción con las inconsistencias y los problemas habituales de ese tipo de cintas o DOA: Dead or Alive [2006], un disparate ridículo en los peores sentidos posibles por culpa de su guion (aunque sus actuaciones también tienen lo suyo), algo solo para ver en una borrachera o bajo los efectos de sustancias psicotrópicas

                
     
    ¿Y si mezclamos varios juegos? Seguro ira mejor el asunto
    Hago mención especial a 2 filmes que al inicio nos fascino la idea de ver reunidas varias franquicias, idea buena, ejecución mala, tenían todo para triunfar y lo desperdiciaron. Ralph, el Demoledor [2012], nos ilusiono ver a Sonic, M. Bison, Bowser, Pacman y más franquicias juntas, los avances pintaban bien, nos imaginábamos una especie de Smash Bros en el cine y al final acabaron girando la historia en Sugar Rush y en la insufrible Vanellope, no contentos con esto, volvieron a arruinarlo una vez más con Wifi Ralph [2018], en donde ya nos adelantaban de lo que iba a ser Disney Plus.
         
    Tenemos el caso de una adaptación, el filme Ready Player One [2018], que les recomiendo leer si no lo han hecho, el libro hace mención de decenas de videojuegos y sabíamos que era imposible pagar los derechos de todas las franquicias, al final hicieron un producto aceptable y dejaron conformes a los fans menos exigentes que no leyeron el libro Ready Player One de 2011.
         
     
     
    ¿Calidad o cantidad?
    En esta época frenética (un poco en pausa por la pandemia) la idea es producir y ganar sin importar la calidad, la crítica valora, pero a las compañías no les importa mucho, siempre y cuando ganen bien. A continuación, el top 20 de las películas valoradas de peor a mejor según Metacritic, que utiliza una escala del 1 al 100. Ojalá algún día encontremos un titulo de mas de 80 puntos
    Titulo
    Pts
    Titulo
    Pts
    20. Lara Croft: Tomb Raider (2001)
    33
    10. Angry Birds, la película (2016)
    43
    19. Doom (2005)
    34
    9. Rampage (2018)
    45
    18. Hitman (2007)
    35
    8. Tomb Raider (2018)
    46
    17. Resident Evil: Apocalypse (2004)
    35
    7. Sonic, la película (2020)
    47
    16. Assassin's Creed (2016)
    36
    6. Final Fantasy: la fuerza interior (2001)
    49
    15. Resident Evil: Afterlife (2010)
    37
    5. Resident Evil: Capítulo final (2017)
    49
    14. DOA: Dead Or Alive (2006)
    38
    4. Prince of Persia: Las arenas…(2010)
    50
    13. Need for Speed (2014)
    39
    3. Pokémon: Detective Pikachu (2019)
    52
    12. Resident Evil: Extinction (2007)
    40
    2. Mortal Kombat (1995)
    58
    11. Tomb Raider 2 (2003)
    43
    1. Angry Birds 2: La película (2019)
    60
                 
    Bueno, ¿pero es buen negocio o no?
    Si bien la mayoría de las películas basadas en videojuegos en su mayoría no son del agrado de los fans, representa un negocio difícil de dejar pasar, por lo que seguiremos viendo nuevas producciones en el futuro, a continuación, el top 20 de cintas con más recaudación, en donde podemos ver que no les va nada mal al menos a las producidas en la última década. Las cifras están expresadas en millones de dólares, no actualizado a la inflación actual:
    Titulo
    $
    Titulo
    $
    20. Hitman (2007)
    100
    10. Tomb Raider (2018)
    275
    19. Resident Evil (2002)
    103
    9. Lara Croft: Tomb Raider (2001)
    275
    18. Mortal Kombat (1995)
    122
    8. Resident Evil: Afterlife (2010)
    300
    17. Resident Evil: Apocalypse (2004)
    129
    7. Resident Evil: Capítulo final (2017)
    312
    16. Resident Evil: Extinction (2007)
    148
    6. Sonic, la película (2020)
    320
    15. Angry Birds 2: La película (2019)
    155
    5. Prince of Persia (2010)
    336
    14. Lara Croft Tomb Raider 2 (2003)
    157
    4. Angry Birds, la película (2016)
    352
    13. Need for Speed (2014)
    203
    3. Proyecto Rampage (2018)
    428
    12. Resident Evil: Retribution (2012)
    240
    2. Detective Pikachu (2019)
    433
    11. Assassin's Creed (2016)
    241
    1. Warcraft (2016)
    439
     
    ¿Qué nos depara el futuro?
    Seguiremos viviendo con película basadas en videojuegos queramos o no, es una buena fuente de dinero que no se puede dejar pasar y es una alternativa para expandir mas el universo del título, veámoslo como universos paralelos para no entrar en conflicto. En lo personal no soy ávido de ver títulos de juegos que no me llaman la atención o títulos demasiados infantiles, pero hay público para todo.
    Las producciones han subido en calidad poco a poco y tengo confianza de que en el futuro veremos nuevas películas que harán justicia a nuestros títulos preferidos, se esperan filmes interesantes y algunos que solo serán un desperdicio:
     
    De izquierda a derecha y arriba a abajo: Mortal Kombat, Uncharted, The Witcher, Tetris, Minecraft, Sonic 2, Super Mario Bros, Five Nights at Freddy’s

     
    ¿Qué películas les gustaron más o que títulos les gustaría ver en el cine?
    Destacado

    ¿Cuánto estas dispuesto a gastar en videojuegos?

    Todos hemos pensado alguna vez: ¿Cuánto podríamos gastar si queremos adentrarnos en el mundo de los videojuegos? Es una pregunta muy complicada de responder, podemos tener múltiples respuestas y varían mucho de acuerdo con la región del mundo donde nos encontremos, a la plataforma deseada, edad, ingresos, gustos y tiempo. Los precios que se manejarán serán en dólares para no regionalizar los montos.
     
    El presupuesto, tema de peso
    Elaboré el siguiente esquema donde se muestran ejemplos de juegos segmentados por formas de pago y plataformas, algunos están en 2 categorías por su naturaleza de pago.

     
     
    Categoría 1: ¿Por qué pagar por algo que puede ser gratis?
    Algunos jugadores no gastan ni un peso, solo adquieren títulos gratuitos. A veces la plataforma en la que juegan son el smartphone o PC de su trabajo o utilizan los dispositivos familiares. Para ellos existe la opción de juegos Free to play, Shareware y Emuladores.
    Free to play (FTP) o Freeware. Títulos gratuitos sin elementos adicionales de pago que ofrecen las compañías para promocionarse o como recompensa al usar cierta plataforma. En smartphone, tablet y PC la gratuidad viene acompañada de anuncios cuando el juego requiere conexión a internet, así obtienen ganancias los desarrolladores.
    En consolas nos premian con juegos al ser usuarios de su marca, si el juego no requiere suscripción online entonces si es gratis, de lo contrario entra en otra categoría. Algunos desarrolladores pueden pedir donaciones para seguir su trabajo.
    No confundir freeware con Software libre que implica acceso libre al código, podemos modificar el juego y a veces solo nos piden dar créditos al autor.
     
    Shareware o versiones de prueba. Títulos con un límite de usos o tiempo, después el jugador decide comprar o no la versión completa. No confundir con un DLC, que veremos más adelante.
     
    Emuladores. Aquí tenemos 2 subdivisiones:
    Juegos descatalogados o Abandonware. Títulos con derechos de autor, su emulación rara vez produce efecto legal debido a que la empresa creadora quebró o desapareció. Algunos títulos pasan a otros publishers, con lo que es difícil que el título quede libre de derechos. Su emulación, descarga y uso es ilegal.             Ejemplos: MAME, Demul, Raine
    Juegos catalogados. Títulos actuales o generaciones pasadas de empresas desarrolladoras que siguen en activo. Su emulación, descarga y uso sea ilegal.             Ejemplos: FCEUX, Dolphin, PSSSPP
     
    Ok, existen juegos gratis, pero tengo que gastar en la plataforma
    Se puede jugar gratis de forma legal con las versiones Freeware y Shareware, de forma ilegal con los emuladores, sin embargo, necesitamos un dispositivo para hacerlo y eso no es gratis. En la siguiente lista de dispositivos se pueden encontrar opciones gratis en las tiendas.
    Se mencionan los productos que logran una buena relación calidad – precio

     
    Conexión a Internet: En cualquier caso, necesitaremos conectarnos a internet, en algunos casos es requerida para la ejecución de los juegos o si buscamos descargar emulaciones, ROMs o versiones de prueba, la velocidad mínima deberá ser de 10MB que rondan en $10 al mes dependiendo de la localidad y distribuidor.
    Solo sería gratis el uso de Internet si vives en la CDMX por ejemplo y está cerca de una de las antenas gratuitas, aunque la velocidad no es buena.

    Apex Legends, Candy Crush, Command & Conquer 3, Command and Conquer, Doki Doki Literature Club
     
    En resumen: No podemos jugar gratis, siempre hay algo que se debe de pagar.
     
     
    Categoría 2: Pagos chiquitos para endeudarnos bonito
    Pay to win. En esta categoría podemos encontrar a los jugadores que gustan de los juegos gratuitos, pero que están dispuestos a pagar dinero por elementos extras del juego, ya sea para tener alguna ventaja respecto a otros jugadores que no compran los mismos elementos, no quieren invertir tiempo en aplicar más habilidad o esfuerzo para desbloquearlos o quieren acelerar ciertas acciones, a esto se le conoce como microtransacciones.
    Es un medio de ingreso para que los desarrolladores y regularmente aplica para juegos móviles y PC. A los juegos gratuitos que tienen microtransacciones se les conoce como freemium. Los artículos comprados pueden ser cosméticos para los personajes (no dan ventajas), así como objetos útiles (que dan una ventaja).
    Existen microtransacciones abusivas, piden constantemente compras de contenido adicional para poder continuar en el juego, se convierten en una molestia y gasto excesivo. En otros casos las microtransacciones están ocultas, la configuración de los dispositivos con cargos automáticos, si están en poder de un niño que no lo comprenda y obtenga el contenido sin preguntar a sus padres puede causar cargos desorbitados.
    Existen jugadores que al final pagan más dinero por microtransacciones de juegos “gratis” que por obtener títulos completos desde un inicio.
    Equilibrio. Hacer que los jugadores quieran pagar por características adicionales para hacer el juego más especial, garantizando al mismo tiempo que los jugadores que deciden no pagar no sientan como si recibieran un producto inferior.
     
    DLC. Contenido descargable exclusivo o adicional que se publica por separado del producto base. La idea básica del DLC es que podemos optar por no obtenerlo y aun si disfrutar del título original.
    Pros:
    Se alarga la vida del juego ofreciendo experiencias que el producto original no tiene. No todos son de pago, algunas empresas dan apoyo con actualizaciones constantes a juegos con altas ventas para que más personas los sigan comprando. Contras:
    Algunas descargas no son contenidos reales, en realidad son claves de contenido para desbloquear algo que ya está en juego original. Se critica el hecho de que antes de que salga el juego a la venta ya tiene anunciados DLC’s lo que da la impresión de comprar un juego incompleto desde el inicio. El DLC no se puede transferir si regalamos o vendemos el juego.  
    Suscripción. Es un modelo de negocio que se ha puesto de moda, las compañías ofrecen un servicio en línea para descarga de juegos gratis o de pruebas y suman una opción de pago para que el jugador obtenga juegos adicionales en un esquema de renta, en donde mientras sigamos pagando el servicio de suscripción seguiremos teniendo acceso a los juegos sin necesidad de adquirirlos.
    Estas suscripciones ofrecen juegos de consolas anteriores como el servicio Nintendo Switch Online con juegos del NES y SNES o el Xbox Game Pass que ofrece juegos relativamente recientes como Doom Eternal y que va rotando buenos títulos, este servicio es por mucho el más robusto que se tiene en el mercado actualmente.

    Pokémon Go, Fortnite, Dota 2, Xbox Game Pass, Playstation Plus, Nintendo Switch Online
     
    En resumen: Descontando los gastos inherentes a la obtención de una plataforma para jugar o el pago de Internet, el gasto mensual podría ser el siguiente:
    Microtransacciones: Pueden ser de $1 a $100
    DLC’s: El costo varía desde $5 o superar el costo del juego original, es decir gastar mas de $60 dependiendo del número de DLC’s.
    Suscripción:
    Nintendo Switch Online: (1 mes) - $3.99, (3 meses) - $7.99, (1 año) - $19.99, (1 año/familiar) - $34.99 Xbox Game Pass: (1 mes) - $9.99 Playstation Plus: (1 mes) - $9.99, (1 año) - $59.99  
     
    Categoría 3: La vieja escuela
    Aunque la industria está apostando los modelos antes descritos, todavía hay cabida para el esquema tradicional: Un solo pago por un juego completo.
    Tenemos 2 posturas sobre el futuro de los juegos de un solo pago:
    1. Freemium. Pagar un juego una sola vez desaparecerá por completo reemplazado por los esquemas de microtransacciones.
    2. Suscripción. Se convertirá en el dominante, pero es poco probable que reemplazara por completo a los juegos de un solo pago, tal y como lo propone Stadia de Google con juegos en la nube sin comprar una consola.
    Mientras esto sucede podemos seguir adquiriendo juegos de un solo pago en 2 modalidades:
    Formato Físico. El mas usado por los jugadores tradicionalistas o a los que les gusta tener una colección que presumir. Es utilizado regularmente por las grandes desarrolladoras por el alcance que tienen en distribución a grandes masas.
    Una ventaja del formato físico que lo hace atractivo es que encontramos ediciones especiales que contienen arte del juego, juguetes, objetos de colección y empaques especiales.
    Pros: Siempre son nuestros, se pueden revender o regalar. Contras: Desgaste físico, maltrato o perdida del cartucho o disco, pierden su valor con el tiempo, más tiempos de carga. Formato Digital. Va ganando terreno poco a poco en las generaciones actuales. Es un formato que utilizan regularmente los desarrolladores Indie por el bajo costo de distribución, también utilizado por las grandes desarrolladoras como alternativa al formato físico y la única forma de conseguir el título cuando agotan su stock físico.
    Pros: No ocupan espacio físico, siempre están actualizados, menos tiempos de caga. Contras: Requieren gran cantidad de espacio digital, no se pueden revender o regalar y si la empresa a la que se los compramos cierra y no tenemos el juego descargado no lo podremos hacer de nuevo. Otra ventaja que tienen los juegos de un solo pago es que con el tiempo tienden a disminuir de precio y podemos obtener grandes títulos a buenos precios, uno o dos años después de su lanzamiento. Como todas las novedades los precios de salida serán altos por la satisfacción de jugar primero el título de moda o podemos esperar y ahorrar dinero con el riesgo de spoilers que abundan en Internet.

    Dragon Quest II. Luminaries of the Legendary Line, World of Warships, Super Smash Bros, Doom Eternal, Yooka Laylee, Super Mario Run
     
    En resumen: Igual que los casos anteriores, sin tomar en cuenta los gastos del dispositivo utilizado e Internet podríamos gastar entre $1 por juegos digitales Indies o hasta más de $100 por ediciones físicas especiales.
     
    Conclusión: Podemos jugar gratis o pagar grandes cantidades de dinero en juegos, lo importante es encontrar un equilibrio entre lo que realmente podemos gastar de acuerdo a nuestras posibilidades y si vamos a dedicar el tiempo para jugar lo que adquirimos, ya que muchas veces nos convertimos en acumuladores, que será tema de otro post.
     
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    El Canal de tv ZAZ y Cybernet regresan.

    Tal cual, el canal de televisión ZAZ está de regreso y con ello prometen traer todas aquellas series que nos brindaron en los 90 y que marcaron nuestra infancia así como series nuevas, entre ellos el famoso programa de videojuegos Cybernet con nuevas temporadas, modernizado con la voz de Alexandra Vicencio, voz original de Cybernet..
    En un post en su cuenta de facebook se puede leer o siguiente:
    Busca al canal ZAZ en redes sociales en facebook, instagram, twitter y youtube.
    ¿Que te parece la noticia? en PGNLA estamos muy emocionados por el regreso de éste grandioso canal y del tan querido programa de videojuegos Cybernet.
    te dejamos con el cybernet mini #1 de éste día directo desde su canal oficial de youtube:
     
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    Reseña D.Gray-Man Hollow

    D Gray Man Hallow
    D. Gray Man, uno de los animes más anhelados de los últimos años luego de su repentina cancelación en 2008, llega al público fan de esta obra en formato animado la segunda temporada de la serie titulada como D. Gray Man Hallow en 2016 como uno de los más esperados en el mundo debido a su trama e historia profunda centrada en la vida de un joven exorcista conocido como Allen Wallker, quien junto a su arma anti-akuma denominada inocencia de tipo parasito después de ser miembro de la Orden Negra por bastante tiempo, luego de la destrucción de la división europea en la temporada anterior, la Orden se traslada al Vaticano, lugar donde se  trae sospechas contra Allen Walker por lo que resulta ser puesto bajo observación por el Vaticano y los terceros exorcistas por ser el único de toda la organización en saber como manejar el Arca de Noé dando indicios ser la posible encarnación del décimo cuarto llamado Nea. Es en ese entonces donde el Conde de Milenio junto a los otros Noé están en busca de este, la Orden Negra al darse cuenta de este detalle decreta la captura de Allen. Finalizando con la confusión de ser el décimo Cuarto o Allen Walker recuerda las palabras de su padre adoptivo, este deja su hogar, amigos y enemigos atrás optando en tomar un rumbo solitario y sin detenimiento él seguirá avanzando.

    Si bien D.Gray man es una obra creada por su respectiva autora y mangaka Katsura Hoshino, esta causa más interés por parte del público a medida a como se avanza en el manga, aunque en su nueva temporada en formato animado denominado D. Gray Man Hallow resulta ser lo contrario, puesto que no impresiona demasiado al público debido a sus distintas desventajas, se percibe el realce de arcos significativos donde se incluyen los alcances de los objetivos de la obra en cuanto a la dirección de la historia de  manera muy acortada y rápida, es decir, los hechos importantes narrados en el manga no resultan ser del todo entendibles debido a su reducción significativa en el tratar de resumir toda la historia en tan solo para 13 episodios donde no se regula del todo los detalles del eje central de la obra.

    Resaltando uno de los factores significativos en la serie nombrado en la reseña anterior que son los amigos de Allen Walker, en D. Gray Man Hallow crea un dilema de duda en el espectador en que si bien “La Orden Negra es realmente su hogar como el cree o simplemente es otro enemigo más con una máscara puesta”, es decir, se resalta la lejanía con personajes que marcaron historia y recuerdos en el mismo Allen Walker en la temporada anterior tales como; Lenalee Lee, Arystar Krory III, Lavi y Komui Lee, entre otros más, dando un cambio notorio en su actitud cuando estos se dirigían hacia el protagonista haciendo un ajuste a su rol de “amigo” por “conocido”, en efecto, por la verdadera procedencia de Allen Walker dando a entender que aunque el personaje principal sea noble de corazón y tenga respeto por la vida misma termine totalmente solitario como una vez estuvo.

    Consecutivamente a pesar de que cambio de animación es notorio, se logra afirmar que hay cambios innecesarios en algunos personajes que de a momento hace creer que son personajes nuevos en la historia y con otros detalles en sus actitudes o ambientación que no los que acostumbrábamos a ver en la primera temporada, por otro lado en contradicción a esta desventaja, se destaca la buena implementación de dibujo exactamente igual al manga que posee cierto reconocimiento emocional por parte de los lectores de este así como también las mejoras en cuento a la paleta de colores dejando atrás los colores sobrios que se utilizan en ambientación y personajes demostrando más viveza en la misma animación.
    Recordando el significativo Soundtrack de la temporada anterior, donde el departamento musical es lucido al realizar la selección de partituras instrumentales, así como también de apartado de canciones de entrada/salida destacando el cumplimiento de su propósito en generar un ambiente de dramaturgia melancólica, en D. Gray Man Hallow se mantuvo ese balance, aunque en ocasiones se necesitaba reforzar la emoción auditiva por parte de las nuevas partituras instrumentales debido a que esa conexión entre el sentir del personaje y la banda sonora desaparecía en cuestión de segundos.

    Sin embargo, cabe destacar que la cancelación del anime en un cierre total de 103 episodios desde 2006 a 2008, pese a que el manga aún sigue en publicación este se mantiene a cuenta gotas por parte de Hoshino debido a su problema de muñeca concreta a la afamada obra con altos y bajos en su creación/narración entorpeciendo su sobresaliente tiempo de fama temporal, este cierra temporalmente en su segunda temporada D. Gray Man Hallow con 13 episodios emitida en 2016 desde julio hasta septiembre del mismo año.
    Finalizando, D Gray Man Hallow es una obra interesante que recomiendo con una valoración final positiva debido a que se basa en la evolución del sentir de sus personajes que los pone en una balanza a la hora de tomar una decisión dejándolos en el entredicho de lo que su corazón considere correcto y no lo que se crea políticamente correcto dando a entender el cómo se desarrollen las cosas en el trascurso de tiempo que se está con vida solo hay que seguir caminando sin detenimiento.

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    Reseña D.Gray-Man

    D.Gray-Man Season 1
    Si muchos conocemos animes de primera categoría no dudaría en dejar a D. Gray Man como uno de los más cotizados y vistos en el mundo debido a su trama e historia profunda centrada en la vida de un joven exorcista conocido como Allen Wallker, durante un imaginario siglo XIX en Europa, Allen junto a su arma anti-akuma denominada inocencia de tipo parasito se convierte en miembro de la Orden Negra, una organización religiosa integrada por exorcistas de todo el mundo, la cual está vinculada al Vaticano. La misión de dicha organización es detener al Conde del Milenio y los Noé, malvadas entidades demoníacas que se denominan a sí mismos como seres humanos perfectos con el gen de Noé, pretenden limpiar el mundo destruyendo a la humanidad, haciendo uso de sus armas llamadas Akuma, finalizando tras una ardua batalla, Allen Walker para salvar a sus amigos utiliza una extraña melodía conocida como las memorias del catorceavo que hace dudar a la Orden Negra de la procedencia de él mismo y sus recuerdos. De tal modo que a decir verdad este anime haya sufrido un ligero abandono por parte de su autora y olvido por parte de sus fans.

    Si bien D.Gray man es una obra creada por su respectiva autora y  mangaka Katsura Hoshino, esta causa más interés por parte del público a medida a como se avanza en el  manga/anime, puesto que se está ante una obra de genero Shonen con trama ligeramente adulta enjuiciada en el entendimiento del lector/espectador arraigada en la exploración de temáticas oscuras y ocultas a una percepción común, con ello se distingue lo clásico de este tipo de obras donde se observa un progreso en una evolución constante en las habilidades del personaje protagonista que aborda en largas batallas a enemigos cada vez más fuertes, reflejando ese encanto asombroso de atrapar al público en las hazañas de la misma obra.

    En cuanto distintas desventajas diminutas, se percibe el realce de arcos significativos donde se incluyen los alcances de los objetivos de la obra en cuanto a la dirección de la historia en su propósito expandida por otros pequeños arcos sin relevancia alguna, donde dan presentación y reclutamiento a cada exorcista de La Orden Negra dando a entender que sin este elenco de personajes secundarios/terciarios el protagonista no tendría avance por su propia cuenta en su evolución o más bien el eje central de la obra consecutivamente del ciclo repetitivo en los que muchos animes de genero Shonen tienden a caer, aun así crea ese dilema de duda en que si La Orden Negra es realmente su hogar como el cree o simplemente es otro enemigo más con una máscara  puesta por la verdadera procedencia de Allen Walker dando a entender que aunque el personaje principal sea noble de corazón y tenga respeto por la vida misma siga totalmente solo como en sus inicios (acontecimiento desarrollado en su segunda temporada: D Gray Man Hallow).
    Un significativo Soundtrack, donde el departamento musical es lucido al realizar la selección de partituras instrumentales así como también de apartado de canciones de entrada/salida como lo son los openings/endings destacando el cumplimiento de su propósito en generar  un ambiente de dramaturgia melancólica desarrollando la relación entre la apreciación del público y la estimación al sentir del personaje protagonista.

    Sin embargo, cabe destacar la cancelación del anime en un cierre total de 103 episodios, pese a que el manga aún sigue en publicación este se mantiene a cuenta gotas por parte de Hoshino debido a su problema de muñeca concreta a la afamada obra con altos y bajos en su creación/narración entorpeciendo su sobresaliente tiempo de fama temporal, este cierra temporalmente en su segunda temporada D. Gray Man Hallow con 13 episodios.
    D Gray man season 1 es una obra interesante que recomiendo con una valoración final positiva debido a que se basa en la evolución del sentir de sus personajes que los pone en una balanza a la hora de tomar una decisión dejándolos en el entredicho de lo que su corazón considere correcto y no lo que se crea políticamente correcto.

    Video Musical: La Melodía del 14º cover en Español Latino
     
     
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    Comparativa -The Legend Of Zelda BOTW - Wii U vs Nintendo Switch

    Hablar de The Legend of Zelda: Breath of the Wild en 2020 podría sonar raro, sin embargo aún vale la pena ver las diferencias técnicas entre la versión de Wii U y Nintendo Switch  por lo que debes saber que aunque de inicio se anunció como un título nativo de Wii U, este en realidad es un título intergeneracional de Nintendo, publicado simultáneamente en Wii U y en Nintendo Switch. La pregunta es ¿cual versión es mejor en términos de rendimiento, la de Nintendo Switch o Wii U?
    Las diferencias entre ambas versiones a simple vista no son perceptibles en ciertos momentos pero se hacen notables a medida que vas jugándolas de una consola a otra, a día de hoy el juego cuenta con su parche versión 1.6.0 para Nintendo Switch y 1.5.0 para la versión de Wii U lo que supondría que la estabilidad en frame rate y bugs del juego deberían estar solventadas a comparación de cuando se lanzó pero...  es probable que la experiencia finalmente no sea la misma.

    Características y especificaciones técnicas
    Las dos versiones apuntan a tener un frame rate de  30 FPS, sin embargo no son estables, ambas versiones sufren de caídas de frames en ciertas zonas donde hay más enemigos, vegetación y otros elementos en pantalla bajando hasta los 20 FPS, pero en Nintendo Switch estas ciadas de frames se recuperan rápidamente, en la versión de Wii U no pasa así y tarda más en recuperar ese rango de 20 hasta llegar a los 30 FPS, hecho que hará sentir una "lentitud" al estar explorando esas zonas tan llenas de elementos en pantalla. Las dos versiones ofrecen exactamente el mismo contenido. En un televisor, la versión para Switch renderiza a 900p, mientras que Wii U lo hace a 720p. La versión para Switch tiene sonidos ambientales de mayor calidad. Es por ello que los efectos de los pasos, el agua, la hierba y demás suenan de forma más realista y mejoran la ambientación. Los tiempos de carga son más rápidos en Nintendo Switch La versión en formato físico de Wii U requiere 3GB de espacio libre en la consola o un disco duro externo. Algunos iconos como los que representan los botones son distintos. La Edición Especial y la Master Edition no están disponibles para Wii U.
    A pesar de que Eiji Aonuma, declaró que la versión para Switch ofrecería "la misma experiencia" que la de Wii U, realmente no es tan similar en términos técnicos pues es claro que el rendimiento del juego en Wii U no es tan óptimo (aunque tampoco e que esté injugable como en su inicio) como en la versión de Nintendo Switch pero tiene sentido que sea así pues la consola híbrida tiene mas capacidad que el Wii U.
    Aspectos Gráficos
    La configuración gráfica es igual en las dos versiones. La distancia de dibujado, resolución de las sombras, la calidad de los modelos, texturas, efectos de iluminación volumétrica son iguales en ambas consolas. Dicho esto, los usuarios de Wii U no se pierden nada más allá en aspectos gráficos salvo de la reducción en la resolución en donde en Nintendo Switch es de 900p nativos y de una mejor optimización en rendimiento.
    La diferencia más marcada está en el filtrado de texturas. En Switch la calidad del filtrado bilineal es ligeramente mejor pues las texturas no se filtran tan cerca. Si eres buen observador, puedes ver líneas en el suelo, especialmente en los ladrillos. Wii U y Switch usan cascadas muy obvias y así es fácil ver en qué punto se aplica el filtrado. Se puede hacer notar que en Switch hay una 'banda' extra de nitidez en las texturas, antes de que se produzca el bajón de calidad. La versión para Wii U es igual al modo portátil de Switch, por otro lado, tal vez nadie notará diferencia alguna al ver el juego en pleno movimiento.
    Video: Prueba de Farme Rate Wii U VS Nintendo Switch.
    Framerate The Legend of Zelda - Breath of the Wild - Wii U 1.5.0 vs Switch 1.6.0_1080p.mp4
    - Gracias a OlDTimer-
    ¿Significa que por estos detalles, el juego en Wii U es malo?
    No necesariamente, el juego es una obra de arte en todos sentidos y vale la pena jugarlo, pero en aspectos técnicos puede que en Wii U el detalle de la caída de frames y su tardía recuperación de los mismos sea algo incomodo o molesto para muchos otros gamers, sin embargo esto no es impedimento para disfrutarlo.
    En definitiva, aunque el juego haya sido desarrollado como una exclusiva bajo la arquitectura de Wii U en un principio, es un hecho que el rendimiento del juego es por mucho a día de hoy, mejor en Nintendo Switch yaque al final terminó siendo un juego intergeneracional, creemos que si Nintendo ya no lanzó mas parches de optimización para la versión de Wii U, se debió a dos cosas:
    1.- El sistema llegó a su límite, recordemos que Wii U solamente contaba con 2GB de Ram de los cuales 1GB es dedicado al sistema y el otro a los juegos contra los 4GB con los que cuenta el Nintendo Switch. 
    2.- La prioridad más importante en su lanzamiento era la versión de Nintendo Switch pues dado al fracaso comercial que fue Wii U, las ventas en esa consola empezaron a ser menos que las ventas en Nintendo Switch, además que para Nintendo era urgente ya acabar y darle término a la linea de la marca Wii.
    Pese a todo lo dicho en éste artículo y pasando por alto los detalles técnicos, si aún tienes un Nintendo Wii U, no dudes en jugar The Legend Of Zelda: Breath Of The Wild en está consola por que en sí, es un juego que vale muchísimo la pena disfrutar.
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    Fans de Inuyasha enfurecen contra el nuevo doblaje latino de Hanyo no Yashahime

    Hay una cosa que es importante para obtener el éxito en una serie o película a la hora de localizarla en una región y esa es la de los actores de voz y si se trata de una serie ya consolidada con un elenco de actores ya con una trayectoria marcada con X serie, pues sería lógico darle continuidad llamando a ese elenco original de dicha serie para que presten su voz a los personajes en una temporada nueva y eso es algo que muchas empresas NO ENTIEDEN, tanto en su versión original como en el doblaje a otros idiomas, comúnmente los fans tomarán como su favorita  la versión del doblaje que llegue primero en su región. En el caso del anime en Latinoamérica, pocos pueden imaginarse a Gokú con una voz y actuación que no sea interpretada por Mario Castañeda , y no aceptarían un doblaje con otros actores como sucedió hace años con Dragon Ball Kai. Ahora los fans de InuYasha están furiosos pues se anunció un doblaje para Hanyo no Yashahime que no contará con las voces los actores de voz originales.

    VIZ Media es la empresa responsable pues son quienes ahora tienen los derechos de ésta secuela de Inuyasha, básicamente son los dueños/el cliente y quienes deciden en donde se hará un doblaje si en México o en otro país de Latinoamérica y muchas veces deciden que actores estarán en el proyecto, desafortunadamente tomaron una muy mala decisión y no contrató a ninguno de los actores del primer anime, es más, ni siquiera los consideraron ni los contactaron pues ni los mismos integrantes del elenco sabían que esta serie tendría un doblaje.
    Según VIZ Media la decisión de haber mandado a doblar la serie para Argentina y no en México y con otros actores  de voz, se debió a limitaciones de presupuesto, este hecho si bien es muy real y si suele influir en la calidad final del producto, pensamos que no debería de ser excusa para no poder llegar a un acuerdo con los actores de voz que ya tienen trayectoria doblando una serie muy larga como lo es Inuyasha ya que como dijimos anteriormente, son la clave del éxito de una serie de éste tipo y escatimar en éste aspecto jamás es una opción, como dicen por ahí,  lo barato sale caro señor VIZ Media, invertir lo adecuado asegurará el éxito de las series y asegurará también sus ganancias y  recueprarán sus inversiones.
    El elenco principal estaba conformado por Enzo Fortuny como InuYasha; Ana Lobo como Aome; Gabriel Gama como Miroku; Liliana Barba como Sango; Laura Torres como Shippo; y Alfredo Gabriel Basurto como Sesshomaru.

    Sin embargo, los fans no se han dado por vencidos y han iniciado una petición en Change.org que lleva más de 12 mil firmas. Puedes firmarla en este enlace: https://www.change.org/p/vizmedia-queremos-el-elenco-original-de-inuyasha-para-el-doblaje-de-hanyo-no-yahshahime
    En la petición podemos leer que Viz Media contrató a los actores originales del doblaje en inglés para Estados Unidos, por lo que los fans reclaman que se haga lo mismo con el doblaje latino y la serie se mande a doblar a un estudio en México. Aveces las peticiones de Change.org pueden no ser muy útiles para convencer a nadie, pero al menos demuestra la fidelidad de los seguidores de InuYasha hacia el elenco de voces original.
    A pesar de la decepcionante noticia de que no escucharemos a Enzo Fortuni y Ana Lobo discutiendo otra vez, se amntiene la esperanza de que Viz Media escuche y considere poner a los actores originales.


    Gameplay Oficial de Cyberpunk 2077

    Cyberpunk 2077 está a punto de hacer su debut. Seguramente  es probable que quieras saber todo lo que este proyecto y Night City tienen por ofrecerte. CD Projekt RED mostró su juego en un nuevo gameplay que responde varias preguntas.
    A travez de un video de 5 minutos, CD Projekt RED mostró muchas de las cosas que se pueden esperar en Cyberpunk 2077. éste RPG se lleva a cabo en un futuro distópica en el que una crisis económica llevó a un conflicto nuclear que dejó Estados Unidos en un mal estado.
     La mayoría de los territorios se han vuelto lugares sin ley, pero también han surgido grandes ciudades como Night City. Son lugares que con tecnología, prometen entregar un futuro civilizado. Aunque las cosas son más oscuras de lo que parecen y hay demasiados conflictos entre diferentes facciones.
    En Night City tomarás el control de un mercenario que toma diferentes trabajos para ganar dinero. Este dinero se podrá usar para mejorar tus capacidades con tecnología, armas y más.
    VIDEO AVANCE: 
     
    TRAILER DE JOHNNY SILVERHANND, EL PERSONAJE DE KEANU REEVES:
     
     
    ¿Que te parecieron los trailers, es realmente lo que esperabas del juego?
    Fuente: Levelup
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    • Funimation se ha convertido en el hogar del anime en los Estados Unidos y otros países. Tiene algunos de los títulos más grandes del medio que se han emitido en vivo, como Dragon Bal, One Piece y más. El servicio de Streaming ha presentado su lista de los mejores títulos de 2021. Así que si estás buscando un buen anime en esta temporada navideña, prepárate. Funimation tiene una gran lista este año, y presenta algunos favoritos nuevos y recurrentes como Attack On Titan. Funimation tiene muchos títulos exclusivos y muchos de ellos terminaron convirtiéndose en éxitos en 2021: - Ranking of Kings - Vivi – Fluorite Eye's Song - The Heike Story - Moriarty the Patriot – Part 2 - SK8 the Infinity   Parece que SK8 the Infinity fue el que más revuelo tuvo de estos títulos exclusivos en 2021. Si quieres saber más sobre la serie de acción, puedes leer su sinopsis oficial a continuación: "Los estudiantes de secundaria Reki y Langa están enganchados a una carrera de skate cuesta abajo peligrosa, secreta y sin reglas llamada "S". Cuando Reki lleva a Langa, un estudiante nuevo a la montaña donde se encuentra "S", Langa queda fascinado y se une a los coloridos patinadores que lo llevaran a vivir aventuras a través de una emocionante historia de batallas de patinetas!". Más allá de los títulos exclusivos del servicio, algunas series familiares aparecen en la lista.  - Sonny Boy - My Hero Academia - Attack on Titan - Fruits Basket - Mushoku Tensei: Jobless Reincarnation - Megaloboxy - Black Clover   Cada una de estas series estrena nuevas temporadas en 2021.  Black Clover ocupó un lugar destacado en la lista de este año, ya que el Shonen anual terminó en marzo con excelentes críticas y aún hay esperanza para su regreso. Si no has visto el exitoso anime Black Clover, se puede ver en su totalidad a través de Funimation,y su sinopsis oficial se puede encontrar a continuación si necesitas más información: "Han pasado seis meses desde que Asta, Yuno y el resto de los Caballeros Mágicos comenzaron a entrenar para derrotar a los demonios y a la Tríada Oscura del Reino de la Espada, compuesta por tres poderosos magos poseídos que gobiernan su nación a través del miedo. ¿Un conflicto importante finalmente revelará los misteriosos orígenes de Asta y Yuno?". Por supuesto que necesitas una suscripción a través de Funimation para ver estos títulos, pero definitivamente vale la pena.
    • Tráiler final de Pokemon Evolutions y pósters Pokemon Evolutions está listo para mostrar sus últimos episodios. Después de explorar regiones como Unova y Alola, la serie nos llevara a viajar a nuevos lugares con sus últimos cuatro episodios.  Con las regiones en orden cronológico inverso a su descubrimiento  original, cada episodio aporta una nueva perspectiva a los aventuras familiares de Pokémon. Hasta ahora, los fanáticos han sido llevados de vuelta a Galar, Alola, Kalos y Unova. Los cuatro episodios restantes contarán con Sinnoh, Hoenn, Johto y Kanto", compartió The Pokemon Company en una nueva declaración sobre el regreso de la serie. Como puedes ver, Pokemon Evolutions tiene mucho que mostrar y ya ha recorrido un largo camino.  Después de comenzar en la región de Galar, la miniserie especial ha viajado desde Alola a Kalos y Unova hasta ahora. A partir del 2 de diciembre, el espectáculo reanudará su viaje con la región de Sinnoh y conducirá a las áreas de Hoenn, Johto y Kanto. Como se ve en las siguientes imágenes, se lanzaron posters para los últimos cuatro episodios. Si quieres saber más sobre los próximos episodios del anime, puedes encontrar sus fechas de lanzamiento y más a continuación: - Jueves 2 de diciembre – "The Rival" presentando la región de Sinnoh   - Jueves 9 de diciembre – "The Wish" presentando la región de Hoenn   - Jueves 16 de diciembre – "The Show" con la región de Johto   - Jueves 23 de diciembre – "The Discovery" con la región de Kanto   The Pokemon Company ha subido los primeros cuatro episodios de forma gratuita a YouTube y los próximos cuatro serán subidos más adelante. Si quieres más contenido de Pokémon adicional a este anime, ¡puedes atrapar Pokémon en los juegos Pokemon Brilliant Diamond and Shining Pearl para Nintendo Switch! También puedes ver el trailer de la serie en el siguiente link:  
    • DC anuncia la serie Aquamen Team-Up   Arthur Curry (Aquaman) y Jackson Hyde (Aqualad) se unen en una nueva serie titulada Aquamen para DC. Ambos personajes de Aquaman han estado disfrutando de sus propias aventuras separadas en el Universo DC, pero una nueva serie de los escritores Chuck Brown y Brandon Thomas, y el artista Sami Basri reunirá a los héroes para investigar una nueva conspiración que amenaza no solo a la Atlántida, sino también al mundo de la superficie.  Otros personajes de la  familia Aquaman también aparecerán en Aquamen # 1 de febrero de 2022, como Mera, Tula, Tempest y el villano Black Manta. La serie Aquamen fue objeto de burlas por primera vez que se presentó a un editor de DC, sin embargo después se le vio potencial cuando se explico el detalle de la trama. El Aqualad actual esta protagonizando Aquaman: The Becoming, una miniserie de seis números que abordará el tema de la transición de Aqualad a Aquaman, que podría coincidir con su inclusión en la serie de Aquamen para su conclusión. También se está creando una miniserie protagonizada por el villano de Aquaman, Black Manta, quien también es el padre del Aqualad actual.  En el primer número, Jackson Hyde (Aqualad) se está cuestionando toda su vida, quiere estar más en la vida de su hijo al darse cuenta de que se está muriendo, así que quiere hacer las paces con él. Aquamen #1 sale a la venta el 22 de febrero de 2022. Podemos apreciar un poco del art y portadas se pueden encontrar a continuación.   AQUAMEN #1 ¡Sumérgete más profundamente siguiendo las emocionantes aventuras de Aquaman: The Becoming y Black Manta! Cuando un terrorista suicida en América Central se revela como un agente Atlante aparentemente deshonesto, los Aquamen, Arthur Curry y Jackson Hyde, están en el caso. Pero pronto queda claro que la tragedia no fue al azar, si no el comienzo de una reacción en cadena mucho más grande y peligrosa... y una explosiva conspiración Atlante. Si Arthur no tiene cuidado, los secretos que está guardando de Mera, Tula, Tempest, Atlantis, la superficie e incluso Jackson, ¡podrían causar un gran problema de la que los Aquamen nunca se recuperarán!   Portada de Aquamen #1 por Travis Moore   Aquamen #1 Variant Cover por Kael Ngu   Aquamen #1 Variant Cover por Jim Lee   Aquamen #1 Variant Cover por Nick Robles   Aquamen #1 Arte Interior   Diseños de personajes de Arthur Curry y Mera   Diseños de personajes de Manta Negra   Diseños de personajes de Jackson Hyde
    • Lazos de pasión, lazos de deseo, lazos de amlr es lo que nos une en una danza erótica y explícita que hacemos al frotar nuestros cuerpos, emoción única, sentimientos sin iguales, estremecen mi corazón y dibujan una sonrisa por estar a tu lado y envuelta de placer quiero estar para tu placer...
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